Робота над ансамблями як одна з форм розвитку інтересу у навчанні музиці дітей із середніми даними
Добрянка 2010 р.
Робота над ансамблями як із форм розвитку інтересу у навчанні музиці дітей із середніми природними даними.
Особливістю ансамблевого музикування є виховання почуття відповідальності учнів за якість освоєння власної партії, досягнення виконавцями точності в темпі, ритмі, штрихах, динаміці, агогіці, специфіці тембрового звучання, що сприяє створенню єдності та цілісності музично-художнього образу.
Мета навчання ансамблевого музикування:
Виховання естетично розвиненої особистості, набуття початкової музичної освіти, необхідної для практичної участі у сфері дозвілля та культурного обслуговування населення в інструментальних ансамблях різних складів та жанрів.
-ознайомлення із широким колом музичної літератури, освоєння нових жанрів; -розвиток здібностей узгоджувати свої виконавські наміри з діями інших учасників ансамблю; -підвищення вимог щодо музично-виконавчих навичок, вміння підпорядковувати всі засоби виразності заради побудови загального художнього цілого, вираження загальної художньої ідеї; -виховувати почуття відповідальності за себе та за колектив.
Проблема музичного розвитку дітей із середніми та слабкими природними музичними даними не є новою. Але те, що цим розвитком потрібно займатися з усіма дітьми, які бажають навчатись музиці – безсумнівно. А. Гольденвейзер писав: «Майже кожна людина, за винятком глухих від народження, має в тій чи іншій мірі музичність і здатність її розвивати. Тому, чим ширша мережа музичних шкіл іщо поширеніше вчення музиці, краще. Але я думаю, що у побудові педагогічного процесу у музичних школах ми недостатньо розрізняємо поняття – загальне музичне виховання та навчання музикантів.
Музиці потрібно вчити всіх у тій чи іншій формі та ступені, а виховувати професіоналами-музикантами потрібно не тільки не всіх, але дуже не багатьох». Ніхто не зустрічав шести-, семирічної дитини, яка б не прийшла на перший урок музики з сяючими очима, з величезним очікуванням, з безмежною любов'ю до незнайомого світу звуків і бажанням витягти їх своїми власними руками. Золтан Кодай говорив: «Давайте вкладемо в руки дітям, сприйнятливим до музики, той ключик, за допомогою якого вони зможуть вступити до чарівного саду музики, щоб примножити зміст всього їхнього життя». Ці слова можуть бути стимулом до копіткої роботи всіх викладачів. Головне завдання викладача полягає в тому, щоб мати напоготові невичерпний запас захоплюючих можливостей, за допомогою яких можна навчитися грати на будь-якому інструменті. До кожної дитини потрібно знайти власний підхід. Нормальна, здорова дитина зазвичай допитлива, допитлива, відкрита для зовнішніх вражень і впливів; багато його цікавить, привертає увагу. Цим «важелем», створеним самою природою, слід постійно користуватися навчання взагалі і на музичних заняттях зокрема. Музика може зображати навколишній світ, людей, тварин, різноманітні явища та картини природи. Вчителю слід розкривати, ілюструвати виразно-зображувальні можливості музики. Вигадка, творча фантазія та винахідливість вчителя-музиканта нічим не обмежені, крім, природно, здорового глузду, практичної доцільності та професійних дій педагога. У будь-якому випадку, якщо йому вдастьсявикликати інтерес учнів – і викликати, а й підтримати його протягом потрібного часу, - необхідні передумови для успіху буде створено. Одноманітна, монотонна діяльність призводить дітей до швидко настає втоми, і того стану, що визначається у дітей словом «нудно». «Всі жанри гарні, крім нудного», - говорив Вальтер. Слухання музики, співи в ансамблі або хорі, музичні вікторини, гра в ансамблі – це не повний перелік різних видів музичної діяльності. Важко сказати, який із них важливіший, який менший. Очевидно, найважливіше те, наскільки вміло та кваліфіковано вони застосовуються. Однією з таких цікавих та захоплюючих можливостей є гра в ансамблі. Ми знаємо, що ансамбль – це вид спільного музикування, яким займалися в усі часи, при кожній нагоді та на будь-якому рівні володіння інструментом. У цьому жанрі писали майже всі видатні композитори. Писали як для домашнього музикування, так і для інтенсивного навчання та концертних виступів. Однією з важливих завдань є підбір учасників ансамблю, рівних за своєю музичною підготовкою та володіння інструментом. Потрібно враховувати міжособистісні стосунки учасників ансамблю. Якщо колектив складається з людей, що поважають і цінують один одного, то заняття проходять результативніше, діти частіше зустрічаються, інтенсивніше репетирують. Сприятливий морально-психологічний клімат в ансамблі – запорука успішної роботи. Починати заняття треба з доступних дітям творів, у грі яких технічні труднощі долаються порівняно легко, а вся увага звертається на мистецькі цілі. На жаль, досить часто доводиться спостерігати зворотну картину, коли ансамблісти, не маючи достатньої бази, виносять на заліки та іспити занадтоскладні їм твори. Учень виявляє підвищений інтерес до занять тоді, коли не відчуває власної безпорадності, а отримує задоволення від результатів своєї роботи. Краще розучити кілька неважких п'єс і грати їх на високому художньому рівні, ніж мусолити одну складну, так і не діставшись творчої її інтерпретації. Спільна гра відрізняється від сольної передусім тим, що і загальний план і всі деталі інтерпретації є плодом роздумів та творчої фантазії не одного, а кількох виконавців та реалізуються їх загальними зусиллями. Під синхронністю ансамблевого звучання розуміється збіг із граничною точністю найменших тривалостей (звуків чи пауз) у всіх виконавців. Синхронність є результатом найважливіших якостей ансамблю – єдиного розуміння та відчування партнерами темпу та ритмічного пульсу.
В області темпу та ритму індивідуальності виконавців позначаються дуже чітко. Непомітна у сольному виконанні легка зміна темпу або незначне відхилення від ритму при спільній грі може різко порушити синхронність. Найменше порушення синхронності при спільній грі вловлюється слухачем. Музична тканина виявляється розірваною, голосознавство гармонії спотворюється. Гра в ансамблі допомагає музикантові подолати властиві йому недоліки: невміння тримати темп, млявий чи надмірно жорсткий ритм; допомагає зробити його виконання більш впевненим, яскравим, різноманітним. Однією з найцікавіших розділів у роботі з учнями є робота над камерним ансамблем, тобто. ансамбль за участю смичкових інструментів. У камерних ансамблях поєднуються інструменти з різними динамічними можливостями. У процесі репетиції з'ясовується, що за нюансу деякі партії тонуть у загальному звучанні та важливі елементимузичної тканини пропадають для слухача Виникає необхідність коригування звичних уявлень. Особливого значення набувають три звучання: - кожного інструменту окремо; -в ансамблі; -всього ансамблю. Якщо перше не вимагає пояснень, то друге має одну істотну особливість: воно визначається динамічними можливостями найслабшого інструменту. Для виконавців це звучання найслабшого служить як би еталоном, яким вони відповідно «підлаштовують» силу звучання своїх партій. Звук провідної партії буде інтенсивнішим, ніж звук супроводу; при прозорій фактурі він буде іншим, ніжнішим, ніж при щільній. Робота над штрихом – це уточнення музичної думки, знаходження найвдалішої форми її вираження. Штрихи в ансамблі залежить від штрихів окремих партій. Лише за загального звучання може бути визначено художню доцільність і переконливість вирішення будь-якого штрихового питання. Займаючись камерним ансамблем, тобто. ансамблем за участю смичкових інструментів, педагогу треба уважно поставитися до смичкових ліг, які іноді доцільно змінити відповідно до смичкової логічної побудови фрази, її динаміки. Смичкова ліга не виключає можливості та перерви звучання, паузи, а її відсутність – безперервного звучання. Багато композиторів охоче ставили смичкові ліги у фортепіанних ансамблевих партіях. Піаністи розуміють, що такі ліги не обумовлюють обов'язкового зняття руки в кінці кожної фрази і зазвичай подумки об'єднують кілька коротких ліг в одну загальну. Однак ліги мають інше, набагато важливіше значення. Вони можуть визначати будову музичної мови, її «синтаксис», поділ на фрази та показувати інтонацію мотиву. Такі ліги зазвичай називають «фразувальними» або «смисловими». Жива фраза - цеМистецтво агогіки. Природно «дихаюча» п'єса як відчуття цілого – це логічна агогіка, яка не руйнує внутрішньо єдиного темпу. Темп, метр і агогіка повинні бути підпорядковані один одному і витікати одне з одного: метр з'являється з опору темпу, агогіка – з опору метру, темп – при приборканні метра та агогіки. Для успішного засвоєння цих завдань можливе застосування синтезатора під час уроків. Виховання почуття ритму і тембрового слуху, ритмічний контроль - найважче завдання у процесі навчання, і синтезатор тут - незамінний помічник. Синтезатор у порівнянні з іншими музичними інструментами – наймолодший і водночас найбагатший багатофункціональний, багатоплановий, універсальний інструмент. Які ж можливості відкриваються під час використання синтезатора під час уроків? Струнні, духові інструменти набувають можливість звучання з акомпанементом різними варіантами ансамблів, стилями та ритмами. Виконання учнями творів з автоакомпанементом, причому з ритмами, що варіюються, дасть незрівнянно більші навички ансамблевої гри, ніж гра під акомпанемент концертмейстера. Прикладом може бути твір на відомі французькі мелодії (обробка Морозової С. І.) «Попурі». Для основної маси учнів школи виконання сольних концертів з оркестром на сьогоднішній день залишається недосяжною мрією. Тут синтезатор міг би допомогти: якщо і не повністю імітувати оркестр через відтворення комп'ютерного файлу Midi, то створити ілюзію оркестрового ансамблю, записавши партію оркестру на згадку. Концерти класних ансамблів, які мають кожен педагог школи, можуть перетворитися на справжні «художні вечори», дивуючи різноманітністю можливостей. Гра в ансамблі з різними тембрами синтезатора можлива навіть для початківцівучнів. Спандевеккіа. Добрий жук. Мистецтво «живої» гри на синтезаторі в концертній практиці, коли всі звуки народжуються виконавцем безпосередньо в момент виконання - складається з двох етапів. 1) Підготовка синтезатора для виконання конкретного твору, що включає вибір необхідних стилів та тембрів. Створення та занесення в реєстраційну пам'ять налаштувань для всіх елементів форми музичного твору. 2) Вміння грати необхідним кожному тембру фактурою і штрихами, вміння точно переключитися з однієї настройки в іншу, створюючи драматургічно збудований формою музичний твір.
Для концертного використання будь-якого репертуару потрібне творче ставлення учнів та викладача до обраного матеріалу. Автоакомпанемент синтезатора - це головний помічник, який повністю підпорядковується виконавцю. Придумати йому роль кожному конкретному творі – завдання учня і педагога. На основі репертуару відбувається закріплення різних видів гармонії, поліфонії, метроритму, фактури. У репертуарі учнів мають знайти місце твори українських та зарубіжних композиторів, композиторів-класиків. В. Моцарт "Маленька нічна серенада". У висновку хотілося б зазначити, що головне для всіх форм роботи, щоб творча ініціатива залишалася за учнем. Завдання викладача – розвивати та активізувати творчий початок особистості учня.
Література: В.В. Крюкова "Музична педагогіка". Г.М. Ципіна "Психологія музичної діяльності". В.Г. Пішняк "Курс гри на синтезаторі". І. Шавкунов "Методика гри на синтезаторі".Повний текст материала Робота над ансамблями як із форм розвитку інтересу у навчанні музиці дітей із середніми даними. дивіться у файлі, що скачується. На сторінцінаведено фрагмент.