Преса - Канон
I. Про професію.Наша професія складається із двох частин. Перше – це володіння ремеслом, чого вчать у консерваторії – диригентській техніці, музичній культурі, знання оркестру, стилів, музики тощо. Другу складову важко визначити словами. Нехай краще це буде щось невизначене, те, що проводить кордон, по один бік якого просто гарний скрипаль, а по інший - Ойстрах і Коган. Хоча всі грають по тих самих нотах одними і тими ж штрихами. Є все ж таки ще щось окрім ремесла. Хоча зараз «гра» з ремеслом у моді. На жаль. Чомусь вважається, що провести спектакль, всім правильно показавши вступу, не розійтися хором і солістами – професійне досягнення, тобто. досягненням вважається те, що насправді у професії диригування є елементарним. Коли ми з товаришами по навчанню і колегами почали займатися в аспірантурі консерваторії за спеціальністю «струнний квартет» у чудового професора А.А.Шишлова, ми – чотири інструменталісти – довго звикали один до одного. З півроку професор нам робив нескінченні зауваження – не струнко, не разом. А потім раптом зауваження перестав. Мовчання професора нас збентежило, ми запитали. У відповідь почули – «А що ви хотіли? Якщо ви граєте суто, разом, однаковими штрихами – це нормально. За що Вас хвалити? Ви ж не хвалите себе за те, що дихаєте? Це природно. Коли буде інтерпретація, щось цікаве – тоді так».
Трохи змістилося у нашій професії те, заради чого все має бути. Елементарні речі стають головною подією – це сумно.
Правда і зворотний випадок теж нелегкий – коли людина стає до пульта з бажанням щось сказати, і, навіть якщо їй є що сказати, нічого не може зробити руками – це нестерпно для оркестру, та часто й дляслухачів. Кажу це як віолончеліст, оркестрант, який пропрацював концертмейстером у чудових оркестрах близько 15 років і випробував усе це на собі. Робота з «міцним професіоналом» але без «вогню та горіння» нудна невимовно, робота з інтерпретатором, який не вміє показати чіткий або хоча б зрозумілий вступ – стомлива для оркестру і рідко вартує тих моральних витрат.
Мушу сказати, що мені в моєму оркестрантському житті дуже пощастило. Я працював із видатними диригентами, приголомшливими музикантами. Це було щастя та величезне задоволення. Г.Н.Різдвяний, Дж.І.Кахіддзе, Курт Мазур, Саулюс Сондзецкіс, А.М.Кац, Ю.Х.Темірканов, В.Синайський. Усі концерти зіграні з ними пам'ятаю й досі. І, як не дивно, ніколи ні в кого з них я не бачив ні на репетиції, ні на концерті цього новомодного молитовного екстазу, що переходить у шаманство, настільки популярного сьогодні на сцені. Захопленість – так, темперамент – так, пристрасті – так, але втрата голови та медитація – ні. Та й із великих диригентів минулого теж не пригадаю подібних «відключень». У цьому одна із важливих якостей професії – на сцені ти відповідаєш за все, ти не маєш права відключити голову ні на мить. Інакше зупиниться навіть найвидатніший оркестр.
II.Диригент, режисер, балетмейстер та оркестр у театрі.Музичний театр – дуже складний вид мистецтва. Адже будь-яка вистава складається з безлічі компонентів – драми, музики, танцю, живопису та багато чого іншого. Ще Малер під час свого перебування директором Віденської опери писав, що вважає провальним спектакль, у якому нехай чудово грав оркестр під керівництвом, але «сцена» була нудна і маловиразна. І це правда – бо диво вистави народжується саме тоді, коли вистава виходить у всьому – оркестрі, співі, режисурі,оформлення. Саме тому мені дивним здається питання, що часто задається (правда, зазвичай про це запитують чомусь диригентів, можливо, припускаючи якесь утиск їх прав) – хто головний в оперному театрі – диригент чи режисер? Так, були різні епохи в театрі – але все зрештою залежить від особистості. Міг бути і диктат режисера, чи верховенство диригента, але хто був головним у тандемі Різдвяний – Покровський? Чи Дзефіреллі – Караян? Мені здається, головне слово у театрі – це слово «разом». І ще одне – «співтворчість». Поодинці нічого не зробити. Я дуже радий, що у нашому театрі зібралися однодумці. Кожен на своєму «фронті», але ми робимо спільну справу, і кожен відповідає не лише за народження вистави, а й за її подальше життя.
Якщо говорити про оркестр, то, звичайно, він несе в театрі колосальне подвійне навантаження, оскільки працює і на оперу, і на балет. Головне моє переконання: ні там, ні там оркестр не має бути просто акомпаніатором. Це такий самий рівнозначний «пласт» вистави, що несе величезне смислове та драматургічне навантаження. Співак, голос – це одна з фарб, тембрів палітри, що звучить.
III.Дирижер і оркестр.Минулого літа на фестивалі симфонічних оркестрів був напевно головний для мене концерт - чудовий концерт Новосибірського симфонічного оркестру під керівництвом Арнольда Михайловича Каца. Ми всі – глядачі – ніби потрапили до якогось заповідника, почувши справжній, «старий» звук Держоркестру, строгість та простоту інтерпретації, захопленість та самовіддачу всіх оркестрантів. Після концерту був прийом, і Арнольд Михайлович узявши келих сказав лише один тост: «Пам'ятайте! Диригент без оркестру – ніхто. Це правда. Ми дуже багато часу проводимо разом – практично мешкаємо життя. І мені, звичайно ж, не байдужіті люди, що сидять переді мною. З повагою ставлюся до кожного музиканта. Бо, незважаючи на всілякі проблеми, складнощі, які є у всіх нас, ми всі збираємось разом і робимо спільну справу. Я не можу працювати з байдужими людьми – на жаль, це мені нецікаво. Тобто можу, звичайно, але пропадає будь-яке бажання. Якщо музикант щось не виходить технічно – завжди можна допомогти, навчити, позайматися, знайти прийом. Байдужість – ось це справді смерть для творчості. Тут уже нічого не вдієш. Ну а щодо методів роботи... Колись Євгеній Олександрович Мравінський на запитання «що має робити диригент» відповів – «створити атмосферу». Мені здається це справді найважливіше. З одного боку, створити атмосферу творчості на репетиції та виставі, щоб було задоволення від самого процесу музикування. З іншого боку, якщо говорити про технологію, то для мене завжди важливішою була в роботі пам'ять відчуттів, ніж пам'ять м'язів. Тому що зрештою будь-який музикант може забути, з якою силою треба притиснути смичок і як голосно зіграти акцент, але якщо він пам'ятає - у зв'язку з чим цей акцент з'явився, і чому саме в цей момент Віолетти монологу повинен прозвучати такий надривний акорд – то цей акцент вийде сам собою.
Я дуже люблю фразу Шкловського про те, що після «Чорного квадрата» К.Малевича у живописі важко щось вигадати. Вигадати складно, а відчути можна. На жаль, у наш час пошуки відбуваються формальним шляхом, вигадуванням. Зараз увійшла в моду течія – автентичне виконання, яке насправді є музичною археологією. Нічого не хочу сказати поганого про тих, хто по-справжньому займається цією наукою. У будь-якому мистецтві є така галузь – археологія, незалежно від того, чи вивчення це живопису, чи, скажімо, Біблії. Але, доНа жаль, значення цієї допоміжної науки, через моду, обставини, не побоюся цього слова – непрофесіоналізму та дилетантизму, стало сильно перебільшеним, відсунувши головне. Адже, за великим рахунком, ніхто нічого не знає. Записів немає. Свідчень майже немає. В одному відомому європейському університеті розташовані на одному поверсі одна проти одної дві кафедри – одна автентична та інша автентична. Вони не сходяться за жодними принципами, ні за одними показниками. Жодним! Ворогують і розмовляють друг з одним. І кожен вважає себе єдино правим. А в результаті – виконання на нібито старовинних інструментах, на нібито жильних струнах. Скрізь – суцільний допуск. Але тільки ці панове вихолостили звук, вихолостили ставлення до процесу музикування, перетворивши не підготовку, а сам процес у наукову працю. Вони цим звуком уже намагаються грати Чайковського, Рахманінова… Коли я чую український оркестр, який виконує Чайковського стандартним середньостатистичним «німецьким» холодним звуком, без кульмінації, без почуттів, без напруження пристрастей – це смішно. Потужність інша.
Ми з балетною трупою театру були на гастролях у Генуї, представляли наше знамените «Лебедине озеро» у постановці В. Бурмейстера. Працювали з італійським оркестром «Лучано Беріо». Чудові музиканти. Небайдужі. Відкриті. Дуже зацікавлено намагалися зрозуміти саме нашу традицію виконання музики Чайковського, а не просто формально зіграти ноти. До третьої вистави ми з ними жартували, що вони стали «майже українцями». Не дуже виходила кульмінація фіналу, де звучання оркестру має бути не просто гучним, що неважко, ні, це апофеоз. На останній виставі як завжди перед вступом міді за секунду повертаюсь у їхній бік… усі музиканти встали і стоячи дограли виставудо кінця. Потім задоволені підійшли і питають – «Маестро, це українською?» . Так! Кульмінація була феноменальна, як у старому ще Світланівському Держоркестрі. Таке піднесення «ламаними смичками» не зробити. Хоч і намагаються.
V. Кожен день.Я не хочу і не можу собі дозволити «перехідних», «пересічних», «репертуарних» вистав. Щовечора має ставати подією. Інакше це не має жодного стосунку до мистецтва, а залишається просто ремеслом. Тоді-глухий кут. Та й, зрештою, публіка ж не винна, що вона прийшла не на прем'єру, а на сімнадцяту виставу. Глядачі йдуть до театру за пристрастями та почуттями, а якщо пристрасті та почуття на той момент на сцені «настигли», то це як мінімум нечесно.
Тому, до речі, вважаю, що й не може бути першого та другого складу виконавців – може бути один та інший, але обидва мають бути однаково цікавими, хоч і відрізнятися між собою якимись індивідуальними рисами.
І ще не люблю – повторів. Не може бути двадцять поспіль однакових спектаклів – хай навіть чудових. Це нудно. Ми ж не штампуємо компакт-диски. Кожна вистава має бути неповторною та індивідуальною. Саме в неповторності і миттєвості народження прекрасного мені здається вся краса театру.